https://ri-ng.uaq.mx/handle/123456789/4181 Sat, 04 Apr 2026 09:38:22 GMT 2026-04-04T09:38:22Z https://ri-ng.uaq.mx/handle/123456789/12733 El cuerpo, el espacio vulvar y la sangre en el arte acción: Análisis de las acciones de Schneemann, Mendieta, Monge y Kubota Andrea Verónica Peña Quintanilla El presente trabajo aborda como problema central la exclusión histórica y la cosificación de la mujer en la historia del arte, donde ha sido sistemáticamente relegada al rol de objeto, modelo o musa, negándosele el estatus de genio o creadora. El objetivo general consiste en analizar las acciones artísticas que emplearon el cuerpo y los fluidos como respuesta política y estética frente a dicha exclusión. De manera específica, la investigación busca demostrar que las artistas Carolee Schneemann, Ana Mendieta, Priscilla Monge y Shigeko Kubota realizaron una sustitución consciente de los elementos plásticos tradicionales: el lienzo por el cuerpo como soporte, el pincel por el espacio vulvar como instrumento y la pintura por la sangre —especialmente la menstrual— como sustancia plástica. La metodología empleada fue de tipo documental, de carácter básico, centrada en el análisis de fuentes secundarias y, principalmente, en el estudio del registro fotográfico y audiovisual de las acciones. El marco teórico se sustentó en las categorías de “cuerpo abyecto”, desarrollada por Julia Kristeva, y “cuerpo”, desde la perspectiva de Jean-Luc Nancy. Los principales resultados confirman que estas artistas utilizaron estratégicamente lo abyecto —sus cuerpos, fluidos y genitalidad— para subvertir el orden estético dominante. Al presentar el cuerpo como soporte, instrumento y materia, las creadoras transitaron de ser objeto de representación a convertirse en sujeto creador, denunciando su cosificación y reclamando su agencia artística. Tue, 24 Feb 2026 00:00:00 GMT https://ri-ng.uaq.mx/handle/123456789/12733 2026-02-24T00:00:00Z https://ri-ng.uaq.mx/handle/123456789/11319 Análisis semiótico estético de la Lucha Libre Mexicana Esmeralda Espinosa López La lucha libre mexicana actual es un reflejo de la evolución del acto a través de los años, enriqueciéndose con signos y lenguajes que han favorecido la transición de ser un deporte a un deporte espectacular. Esto muestra el desarrollo e impacto de la investigación, a través del análisis de la semiosis del espectáculo desde los procesos de significación generales como en los particulares. La directriz que marca el estudio y la evolución es la del aspecto histórico donde se encuentran las etapas reconocidas como parteaguas dentro del deporte espectáculo. Con las etapas determinadas, a través de la semiótica de Kowzan (los trece sistemas que conforman la puesta en escena) y con teóricos sobre construcción del personaje como Barba, Stanislavski y Pavis se comprende la manera en la que se semeja la creación teatral a la creación de una función y la creación de los luchadores. Se afirma que el luchador es a la lucha, como el actor al teatro pues en ellos recae la interpretación del personaje, dándole sentido e introducción a la escena general a partir de la combinación de elementos como el vestuario, la máscara y los movimientos. La técnica que existe (aunque parezca algo realizado de manera intuitiva por la experiencia como público y el gusto por el deporte, reconociendo así la transmisión de información a través de generaciones como algo artesanal que permite mostrar a la creación como algo espectacular. La lucha libre, por su trabajo a través de los años es un acto que ya está formado; pero que, con la llegada de nuevos talentos se muestran diferentes maneras de aprenderla y realizarla de tal forma que se reconozca el arte dentro de su creación. Una función es una forma de comunicación entre el luchador y los espectadores, donde se hace uso de signos para la construcción de la escena, que pueden añadirse u omitirse para la comunicación precisa del mensaje que crea una atmósfera y un nuevo entorno que se muestra espectacular ante la audiencia y a través de su combinación crea una experiencia estética que lleva a una catarsis. Thu, 28 Nov 2024 00:00:00 GMT https://ri-ng.uaq.mx/handle/123456789/11319 2024-11-28T00:00:00Z https://ri-ng.uaq.mx/handle/123456789/11237 La interculturalidad simbólica de la obra pictórica de Mark Ryden Karlo Gutiérrez Terán El pintor Mark Ryden en la mayoría de sus obras utiliza una amplia gama de símbolos, los cuales provienen de diversas culturas, en el caso de esta investigacion se eligieron seis pinturas por su amplia carga simbólica. El objeto de estudio se analizó por medio de la Hermenéutica analógica, buscando las semejanzas entre las obras, los símbolos y los significados, ya que en algunos casos los símbolos pueden variar, pero el significado del símbolo en cuestión llevara a tener una analogía o semejanza hacia la construcción de la interpretación. Asi de esta manera el proceso de interpretación se desarrolló abordando cada pintura en cuanto a sus generalidades simbólicas, posteriormente el análisis se profundizó en el campo de las cualidades físicas, es decir, la técnica de la pintura, la descripción de los símbolos de cada pintura y posteriormente él análisis de cada uno de los significados basando las definiciones en diccionarios especializados. Una vez entendido los símbolos el enfoque del estudio se llevó al sentido o interpretación con énfasis en los símbolos esotéricos (ocultismo y alquimia), para culminar con las descripciones de las obras que de alguna manera cuentan con semejanza a las seis obras que forman el objeto de estudio, logrando evidenciar que por medio de los símbolos el autor invita a cuidar y respetar la naturaleza, aunque tambien expresa visualmente los excesos culturales del hombre en contra del medio ambiente, desde su poderío, el dominio y el consumismo mercantilista que le rodea. Tue, 01 Oct 2024 00:00:00 GMT https://ri-ng.uaq.mx/handle/123456789/11237 2024-10-01T00:00:00Z https://ri-ng.uaq.mx/handle/123456789/9000 Aproximaciones a la representación de los desórdenes alimenticios en el arte contemporáneo Sandra Carolina Rodriguez Romero La compleja problemática de los desórdenes alimenticios tiene varias aristas para posibles análisis. En esta tesis se exploran las interpretaciones y planteamientos propuestos sobre este tema desde el arte contemporáneo. A través de la revisión de un conjunto selecto de obras, se ha desarrollado un marco conceptual que permite ubicar las obras en cinco categorías. La clasificación propuesta corresponde a cinco aspectos que, mutuamente relacionados, tejen la realidad de estas enfermedades: 1. El contexto socio-histórico en el que se enmarca la corporalidad, en particular el cuerpo femenino. 2. La relación que se tiene con el alimento como individuos y en sociedad. 3. Los cánones y parámetros de belleza que se establecen y las oposiciones que generan en el cuerpo. 4. La construcción de imaginarios colectivos acerca del cuerpo, y 5. La necesidad de someter o dejar el propio cuerpo. Yendo más allá de los dictámenes clínicos, el arte atraviesa la difusa membrana que separa la realidad objetiva de la vivencia subjetiva y esto permite tener alguna idea, así sea vaga en algunos casos, de las profundas causas y susceptibilidades que desembocan en este tipo de desórdenes. Con esta investigación se evidencia que cualquier intento serio por comprender el surgimiento y el acelerado crecimiento de estas enfermedades, debe contemplar las luces que sobre este fenómeno arrojan muchas manifestaciones artísticas contemporáneas. Mon, 02 Dec 2019 00:00:00 GMT https://ri-ng.uaq.mx/handle/123456789/9000 2019-12-02T00:00:00Z